ロンドン・ギャラリー・ウィークエンドでの最高のショー

サンデー・ペインターでのエミリー・クラウスの大きく魅惑的なキャンバスから、ローズ・イーストンとのアマンダ・モストロムの初個展まで

エミリー・クラウス日曜画家4月27日～6月10日

エミリー・クラウスは、瞑想的で身体的な実践に取り組むことで得た知識をもとに、足場で作られた金属製の立方体構造の内部から絵画を制作しています。彼女はそれをウェブサイトで「避難所、拘束、幕屋、境界」と表現しています。 このデザインは当初、ロンドンのロイヤル カレッジ オブ アートにある彼女のスタジオの空間的制限に応えたものでした。 しかし、クラウスは、その創造的かつ概念的な可能性をすぐに認識しました。キャンバスが回転するバーの上でループしているため、アーティストは一度に作品の制限されたセクションしか見ることができず、以前の痕跡についての彼女自身の記憶に頼らざるを得なくなりました。 出来上がったキャンバスは、震えるほどリズミカルで、魅力的で、そして大きいものです。 ザ・サンデー・ペインターでの初の個展「ネスト・タイム」で、クラウスは、有機的なものと機械的なものの間で揺れ動く高さ約4メートルのキャンバスを制作し、繰り返しと時間を経てグリッチのある潮のラインのようにぼやけた跡を描いた。

「俳優としてのマター」リッソンギャラリー 5月3日 – 6月24日

この大規模なグループ展は、リッソンのロンドンの両方のスペースで開催され、素材が単なるリソースではなく、意味の積極的な共同制作者である 12 人のアーティストによる作品を統合します。 「アクターとしての物質」は、（モダニストによる自律性の主張よりも）複雑な関係ネットワークを強調し、複数の文化的枠組み内および複数の文化的枠組みを超えた物質的な歴史をたどります。 たとえば、オトボン・ンカンガのインスタレーション「Solid Maneuvers」（2015）は、ナミビアの採掘によってもたらされた壊滅的な変容を美しく呼び起こします。 Lucy Raven は、シルバーゼラチンのシャドウグラム シリーズ「Socorro!」を作成しました。 （2021–22）ニューメキシコ州での弾道試験イベントに感光紙を露光することによる。 また、Keepsafe I (2019) のようなエレーナ ポポワのエレガントなタペストリーは、廃止された原子力発電所の投機的な記念碑を構成しています。 最も刺激的なのは、先住民族のアーティスト、D・ハーディングがギャラリーの窓や天窓を、祖父母の土地から集めた土を含む政治的意図を込めた顔料で満たしたことだ。その色は所々剥がれ落ちて床に落ちている。

アマンダ・モストロムローズ・イーストン5月4日～6月10日

アマンダ・モストロムとローズ・イーストンの初個展は、プライバシー、欲望、家族性を探求する2つの新しい作品で構成されています。 タイトルの「itsanosofadog *It's an ass of a Dog」は、噛むふりと自己主張的な静止によって興奮した子犬を落ち着かせる母親犬の YouTube 動画を指します。 モストロムにとって、母親の方法は、行動学習と感情のオーバーフローに対する（自己）規律について語っています。 YouTube で 8,000 万回以上再生されたビデオからソフトにプリントされた静止画は、アーティストが妹の農場に住んでいたときに集めたアルパカの毛で作られたフレームに入れられています。 鍵穴のような形をしたこのフレームは、見ることのエロティックさと、人間以外の人々に対する広範なプライバシーの否定を表現しています。 他の作品には、アーティストの祖母が撮影した、注意深く演出された切り花の写真が再現されていますが、発見されたのは彼女の死後です。

ヌール・ジャウダユニオン・パシフィック5月31日～7月8日

カイロとロンドンを拠点とするリビア人アーティスト、ヌール・ジャウダは、都市、空間、移住、アイデンティティの間のつながりを解き明かします。 ジャウダは、見つけたリネンや綿のキャンバスの端切れからテキスタイルを構築し、それを引き裂いたり、切ったり、染めたり、絵を描いたりしてから、それらを丹念に縫い合わせて、絵画、彫刻、インスタレーションの言語を横断する複雑な多層の作品を作ります。 彼女の初のロンドン個展では、豊かな質感と青々とした紫、さび、黄土色、オリーブの色調のエレガントでありながら不安定なインスタレーションが鉄骨フレームで支えられており、その一部はカイロで見つかった壮大なアールヌーボー様式の門やコンクリートで鋳造された陶器で作られています。 『遠くないなら、私の場所はどこですか?』などのタイトル (2023) と This Poem Will Never Be Finish (2023) は、進行中の生成プロセスとしての文化的アイデンティティの部分的で状況に応じた性質を示唆しています。

ニアム・オマリーヴァルダクソグルー・ギャラリー6月2日 – 7月14日

ニアム・オマリーは、特にスチールやガラスといった素材の器用な使い方と、特定の空間に対する繊細な反応で知られています。 彫刻インスタレーションと動画を組み合わせたヴェネツィア・ビエンナーレの展覧会「Gather」（2022年）は、通気孔、排水溝、棚、天蓋など、支え、可能にし、保護する見過ごされてきた構造要素に注目を集めました。 オマリーは、これらの要素を抽象化に向けて推し進め、表面、不透明と透明のレイヤー、およびフォームの交差を遊びます。 ダイヤモンドダストで傷ついたガラスやドリルで磨かれたキルケニー石灰岩など、時折現れる暴力的な制作過程が、作品の色調や質感の繊細さを対比させています。 ヴァルダクソグルーのハイライトは、「フォールド」(2023) です。この繊細な壁掛け作品シリーズは、手でカットした高級額縁ガラスを銅箔でつなぎ合わせたもので、ティファニーのランプシェードに関連した技法です。

ヌール・モバラクロデオ 6月2日～9月23日

ヌール・モバラクの「神々の複製」は、最初のオペラと考えられているヤコポ・ペリとオッタヴィオ・リヌッチーニの『ダフネ』（1598年）に対応する広範なプロジェクトの一部である。 初公演はフィレンツェのコルシ宮殿で行われ、ニッチの間は舞台上の登場人物を倍増させる彫像で埋め尽くされた。 2022年、モバラクはオリジナルのオペラの基礎となったオウィディウスの変容、ジェンダー暴力、音楽の起源の物語に応えて、自身のバージョン「ダフネ・フォノ」を制作した。 ロデオ ギャラリーでは、アポロ、キューピッド、ダフネ、ヴィーナス、そして 9 つの追加形態からなる合唱団などのニッチな彫刻が中心舞台に立っています。これらは、数か月かけてゆっくりと成長し、菌糸体から成形されました。 無視された古代の彫像の黄土色、ダークブラウン、クリーミーな白で繊細なテクスチャーが施されたこれらの彫刻作品は、身体と物質、生と死、成長と衰退がめまぐるしく絡み合う様子を表現しています。

エイビス・ニューマンモーリン・ペイリー6月1日 – 7月30日

ロンドンを拠点とするアーティスト、エイヴィス・ニューマンは、彼女が「構成」と呼ぶもの、つまり彫刻や絵画の要素を、伸ばしたキャンバスと伸ばしていないキャンバスに組み合わせたインスタレーションを制作することで知られています。 意味が固定されることへの欲求に抵抗して、アーティストは代わりに、形と素材の間の一連の一時的かつ暫定的な関係を提案します。 ニューマンさんは自分で絵の具や顔料を作っているにもかかわらず、色よりも重さ、密度、温度に興味があると語った。 結果は常に微妙で多層的なものになります。 モーリーン・ペイリーでの2回目の展覧会で、ニューマンは紀元前5世紀の孫子の論文『兵法』とポール・ツェランの20世紀の詩を題材にしている。 小さなものから広大なものまで、ニューマンのキャンバスには、長方形、円形、三角形のマークが集合的に流れる形で配置されています。 地図、軍事図、パンデミックの気流モデリングを彷彿とさせる「戦略戦略 VI (十三章)」(2018/22) などの作品は、世界を理解しようとしたり、意味を突き止めようとする私たちの試みの限界を暗示しています。

ニコール・バックマン、リー・ヘイディ、ミン・ラン・トランセント・ジェームス教会ピカデリー、ペッカム・ライブラリー・スクエア、ホクストン・スクエア6月2日～4日

今年、ロンドン・ギャラリー・ウィークエンドは再び公共芸術委託会社UP Projectsと提携し、ロンドンの3つの異なる場所（セント・ジェームス教会ピカデリー、ペッカム・ライブラリー・スクエア、ホクストン・スクエア）でパフォーマンス・プログラムを実施した。 3人のアーティストが週末に作品を発表する予定だ。ニコール・バックマンはセンターではなくメッシュ（2023）を上演している。これは、社会政治的不正義や気候に直面した口頭文化、コミュニティ、知識伝達の間のつながりを探求するスポークンワード作品である。崩壊; リー・ヘイディは3人のパフォーマーを伴い、ライスペーパーの層を横切り、複数のチューブが付いた漏斗で作られた帽子を通して顔料を噴射します（The Willow Tree、2023）。 ミン・ラン・トランは振付師レナ・ヘッツェルと「Heat Generation (prayer)」(2023)でコラボレーションし、ダンスと暴力のつながりを探ります。 さらに、ペッカム プラットフォームは、アーティストのレスリー アサレとサザークのコミュニティとともに、土曜日に 1 回限りのパフォーマンス「ボディ アルカナ (ホームビルディング)」(2023 年) を開発しました。

メイン画像：Otobong Nkanga、Steel to Rust – Meltdown（詳細）、2016 年、アルミニウムフレームに取り付けられた織物、寸法は可変。 提供: © アーティストおよびリッソン ギャラリー

トム・ジェフリーズはエディンバラを拠点とする作家です。 彼は 2 冊の本の著者です: The White Birch: A Russian Reflection (Little, Brown、2021) と Signal Failure: London to Birmingham, HS2 on foot (Influx Press、2017)。

KCRW & フリーズマガジン提供

オスカー賞にノミネートされた映画監督が、人種、階級、社会正義に関するテーマに詩的な切迫感をどのように吹き込んだかを語る

第 59 回ヴェネチア・ビエンナーレと並行して 2 つの展覧会が開催され、アーティストはこの街の「暗い母なる水」を振り返り、ヴァンタブラックの最新作品を共有します。

サレナ・バリーは、アリソン・ジャックにあるニコラ・L.の変態的で突き抜けそうな彫刻から、ホワイト・キューブにあるジェフ・ウォールの記念碑的な写真まで、彼女のトップピックを選びます

アーティスト ルームでのウィリアム ブリッケルの歪んだ身体から、トラファルガー アベニューでのアルフレッド ヒッチコックの「鳥」のギャレット プリューターの再考まで、サム ムーアが厳選した作品

コーク ストリート 9 番地での後期展示会のオープニングやイベントの特別プログラムを含め、このパートナーシップはロンドンのアート シーンをそのダイナミズムのすべてで祝うことになります。

フリーズの編集者がナショナル パビリオンで最も楽しみにしているプロジェクトを選択します

エセックス・ストリートでのアメリカの警察の歴史を深く掘り下げたキャメロン・ローランドの作品から、リッソン・ギャラリーでのペドロ・レイエスのコロンブス以前の影響を受けた彫刻まで、これらはフリーズウィーク中にニューヨークで必見の展覧会です。

エコー・エシュンがキュレーションしたリッソン・ギャラリーでの11人の黒人アーティストによる作品展は、集団的な治癒実践と並行して植民地時代の歴史をたどる

リッソン ギャラリーの創設者ニコラス ログスデイルが、幾何学的なミニマルな美学で知られるアーティストとの生涯にわたる友情を振り返る

ケイ・ドナチーのチョーキーな青、紫、グレーのポートレートの展示から、デヴィッド・アルキパ・ペレスのボリビアのカーニバル文化の写真アーカイブまで

Click Ten Art Space での Zhang Yufei の個展から Long March Independent Space でのグループ展まで、第 7 回ギャラリーウィークエンド北京の見どころをご紹介します。

PROXYCOやホイットニー美術館での個展からCARAでのグループ展まで、ニューヨークで最高の展覧会をご紹介します。

フリーズ ニューヨークの期間中に、シカゴのカビ グプタでアラナ クラークとエスマー モハムードの個展を鑑賞し、ニューヨークのドローイング センターでクシヤディの奇妙な切り絵を鑑賞しましょう。